Aufbau einer Sammlung und Investition in zeitgenössische Kunst
- Romain Class
- 11. Dez. 2025
- 7 Min. Lesezeit
Aktualisiert: 28. Jan.
Kunst zu sammeln bedeutet, in einen Dialog zwischen Sensibilität und Wert, zwischen Intuition und Strategie einzutreten. In einer Welt, in der alles zunehmend entmaterialisiert wird und Bilder ohne festen Anker zirkulieren, bewahrt das Kunstwerk eine Form von Seltenheit, die beinahe subversiv wirkt. Es nimmt Raum ein, widersteht der Zeit und begründet eine langfristige Beziehung. Eine Sammlung aufzubauen ist heute nicht mehr einer diskreten Elite vorbehalten. Das Internet, internationale Kunstmessen und der Aufstieg vernetzter Künstler haben die Türen zu einem Universum geöffnet, das einst undurchsichtig war. Doch Sammeln lässt sich nicht improvisieren: Es ist ein Lernprozess, eine sinnliche und emotionale Disziplin ebenso wie ein Abenteuer des kulturellen Erbes.
Sammeln bedeutet vor allem, sehen zu lernen. Weit entfernt vom bloßen Erwerb eines dekorativen Objekts ist es zugleich ein intellektueller und emotionaler Akt. Der Sammler behauptet sich durch einen Geschmack, eine Vision, manchmal sogar durch eine Obsession. Daniel Arsham verkörpert beispielsweise diese Verbindung von konzeptioneller Strenge und ästhetischer Anziehungskraft. Seine „erodierten“ Skulpturen, in denen zeitgenössische Objekte wie Fossilien der Zukunft kristallisiert werden, sprechen eine Generation an, die für das Gedächtnis der Gegenwart sensibilisiert ist. Antoine Dufilho hingegen überträgt seinen Hintergrund in Ingenieurwesen und Architektur in minimalistische Skulpturen, die die Automobilform in eine Abfolge rhythmischer Volumen zerlegen – eine Kunst der Bewegung und der Struktur, die sowohl Kunstliebhaber als auch Mechanik-Enthusiasten fasziniert. Diese Künstler verkörpern eine zeitgenössische Strömung: die eines zugänglichen, technischen und interdisziplinären Kunstverständnisses, in dem Schönheit aus dem Dialog zwischen den Disziplinen entsteht.
Andere wiederum, wie Invader, KAWS oder Futura 2000, haben ihre Legitimität außerhalb der traditionellen Kunstkreisläufe aufgebaut. Der Erste verwandelte Videospiele in eine urbane Sprache, indem er weltweit Tausende von Pixelmosaiken verteilte – als Symbole einer gemeinsamen Vorstellungswelt. Der Zweite, KAWS, verband die Welten von Spielzeug, Mode und Graffiti und machte seine Figur Companion zu einem universellen Emblem der Pop-Nostalgie. Der Dritte, Futura 2000 – ein Pionier des abstrakten New Yorker Graffiti – ebnete den Weg für eine ganze Generation von Künstlern, die die Wand als Leinwand und die Sprühdose als Pinsel begreifen. Hom Nguyen schließlich verkörpert eine andere Sensibilität: die der expressiven Porträtkunst, der verkörperten Geste und einer lebendigen Menschlichkeit. Jeder von ihnen bietet Sammlern auf seine Weise einen Zugang zur Welt der zeitgenössischen Kunst – irgendwo zwischen Popkultur, urbaner Ästhetik und malerischer Emotion.
Einer der ersten empfohlenen Schritte besteht darin, das Wissen über den Künstler zu vertiefen. Dieser Ansatz geht über die bloße Wertschätzung des Talents hinaus und erstreckt sich auf ein umfassenderes Verständnis des Lebens und Werdegangs des Künstlers, seiner künstlerischen Geschichte sowie seiner kreativen „Perioden“. Jeder Künstler schafft durchschnittliche, gute und außergewöhnliche Werke – und man muss lernen, sie zu unterscheiden. Darüber hinaus kann die Kenntnis des Künstlers die Investition in seine Kunst im Hinblick auf die langfristige Wertentwicklung beeinflussen. Verfügt der Künstler bereits über einen etablierten Ruf und produziert weiterhin Werke, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass ihr Wert im Laufe der Zeit steigt. Zudem ermöglicht das Verständnis des Künstlers und seiner Vision, seine Arbeiten tiefer zu würdigen – jenseits ihres reinen Potenzials als finanzielle Anlage.
Doch bevor man kauft, bevor man über Budget oder Investition spricht, muss man fühlen – und schauen. Viel schauen. Der zukünftige Sammler lernt durch Museums-, Messe- und Galeriebesuche, durch Lesen, Austauschen und Vergleichen. Nichts ersetzt die unmittelbare Erfahrung der Emotion, die man vor einem Kunstwerk empfindet. Kunst erschließt sich durch Präsenz, durch Materialität, durch die physische Beziehung zum Werk. Deshalb sprechen große Sammler oft von einem „Klick“, einem Schock oder einer überwältigenden Liebe auf den ersten Blick – einer Emotion, die sich nicht berechnen lässt, einem inneren Bedürfnis, täglich mit einem Werk zu leben.
Der erste Schritt beim Aufbau einer Sammlung besteht darin, eine Richtung festzulegen. Diese kann thematisch sein (Bewegung, Erinnerung, Körper) oder generationsbezogen (aufstrebende Künstler, Pop Art, Street Art usw.). Diese Kohärenz ist keine Einschränkung, sondern eine sinnstiftende Struktur. Sie hilft dem Sammler, Zerstreuung zu vermeiden und eine visuelle Erzählung aufzubauen. Man könnte sich etwa eine Sammlung rund um das Thema Bewegung vorstellen – die schwebenden Fotografien von Mathieu Forget, einem wahren „Tänzer des Bildes“, kombiniert mit den fragmentierten Skulpturen von Dufilho und den schwebenden Figuren von KAWS. Oder eine Sammlung, die sich mit Zeichen und Sprache befasst und die kryptischen Mosaike von Invader mit den universellen Typografien von Robert Indiana und den kalligrafischen Abstraktionen von Futura 2000 verbindet.
Kunst ist kein börsennotierter Vermögenswert: Sie bietet weder Dividenden noch sofortige Liquidität. Dennoch besitzt sie einen einzigartigen Vorteil – im Gegensatz zu fast jeder anderen Investition – nämlich das Vergnügen, täglich mit den erworbenen Werken zu leben. Langfristig erweist sie sich als solide Anlage. Laut dem Jahresbericht von Art Market Research erzielen zeitgenössische Kunstwerke über einen Zeitraum von zehn Jahren eine durchschnittliche Rendite von 6 bis 8 % pro Jahr, vorausgesetzt, die Auswahl erfolgt mit Bedacht und der Markt des Künstlers wird aufmerksam verfolgt. Große Erfolge wie KAWS, Invader oder Arsham haben in den letzten Jahren einen starken Wertzuwachs erlebt – getragen von Kooperationen mit Marken und Museen sowie von ihrer Fähigkeit, ein ganzes Universum zu schaffen, oder im Fall von Invader sogar eine weltweite Community. Die Botschaft ist klar: Sammeln erfordert Zeit, eine langfristige Vision und Geduld.
Der Wert eines Kunstwerks beruht auf mehreren Säulen: seiner Provenienz (woher stammt es?), seiner Authentizität (ist es zertifiziert?), seiner Geschichte (wurde es ausgestellt, publiziert oder gesammelt?), seinem Erhaltungszustand sowie seiner Seltenheit. Ein Unikat, das in einer Galerie gezeigt wurde oder Teil einer ikonischen Serie ist, besitzt stets mehr Potenzial als ein randständiges Werk. Bei Künstlern wie Futura 2000 sind Arbeiten aus der ursprünglichen New Yorker Graffiti-Szene der 1980er-Jahre deutlich begehrter als seine jüngeren Produktionen, da sie zur lebendigen Geschichte des Graffiti gehören. Bei Invader oder KAWS wiederum sind Fälschungen weit verbreitet, weshalb die Provenienz von entscheidender Bedeutung ist.
Natürlich ist es wichtig, ein Budget festzulegen – große Vermögen sind jedoch nicht zwingend erforderlich. KAWS Art-Toy-Figuren, die in der Regel in Auflagen von 500 Exemplaren erscheinen, liegen preislich zwischen 1.000 und 2.000 Euro. Sie bieten einen Einstieg in das Universum des Künstlers und verzeichnen eine Wertsteigerung von 5 bis 10 % pro Jahr. Ein weiteres Beispiel sind die Unikate des Street-Art-Künstlers Nathan Bowen, die zwischen 500 und 1.000 Euro kosten und ebenfalls sehr gute Investitionen darstellen, da Bekanntheit und Popularität des Künstlers stetig wachsen. Hinzu kommen die Fotografien von Mathieu Forget, mit einem Einstiegspreis von 500 Euro, während der Ruhm des „Flying Man“ weiter zunimmt. Class Art Biarritz war die erste Galerie, die Nathan Bowen und Mathieu Forget vertreten hat.
Ein oft unterschätzter Aspekt der Kunstinvestition ist die Besteuerung. In Frankreich ist der rechtliche Rahmen besonders vorteilhaft. Kunstwerke unterliegen nicht der Vermögenssteuer auf Immobilien (IFI) und werden bei der Berechnung des steuerpflichtigen Vermögens nicht berücksichtigt. Mit anderen Worten: Sammler können Kunstwerke besitzen, ohne ihre Steuerlast zu erhöhen. Beim Weiterverkauf stehen zwei Regelungen zur Verfügung: eine Pauschalsteuer von 6,5 % auf den Verkaufspreis oder die Regelung der realen Wertzuwachssteuer, die ab dem dritten Besitzjahr einen jährlichen Freibetrag von 5 % vorsieht und nach 22 Jahren zu einer vollständigen Steuerbefreiung führt. Dieses System fördert das langfristige Halten von Werken und stärkt die vermögensorientierte Logik des Sammelns. Auch Unternehmen profitieren von einem Anreizsystem: Sie können die Kosten für den Erwerb von Werken lebender Künstler vom steuerpflichtigen Gewinn absetzen, sofern die Werke öffentlich ausgestellt werden. Der Erwerb eines Werks von Hom Nguyen zur Gestaltung einer Unternehmenslobby, einer Skulptur von Dufilho oder sogar eines Mosaiks oder Siebdrucks von Invader für den Firmensitz wird so zu einer Handlung, die zugleich kulturell, ästhetisch und steuerlich sinnvoll ist.
The collector does not merely accumulate; they support, engage, and accompany. Many choose to collect emerging artists, who are often more accessible but also economically more vulnerable. In this context, a purchase becomes an act of trust, a vision of the artist’s future recognition. The example of Mathieu Forget is revealing: this performance artist blends dance, photography, and digital art, illustrating the new generation of hybrid artists that collectors follow from the start, betting as much on aesthetic promise as on vision.
Over time, a collection becomes a narrative. It can unfold in an apartment, an office, a warehouse, or even in public spaces. Increasingly, collectors lend their works to museums, organize exhibitions, or create their own foundations. This desire to share reinforces the collector’s legitimacy as a cultural actor. Through their collection, they express a way of inhabiting the world. It is no longer a selfish act but a participation in the aesthetic conversation of their time.
In einer Welt, die von digitalen Strömen übersättigt ist, in der Bilder einander ohne Dauer folgen, setzt ein Kunstwerk eine andere Zeitlichkeit entgegen: jene der Kontemplation, der Beständigkeit. Ein Werk von Daniel Arsham, Invader oder Hom Nguyen zu besitzen, bedeutet nicht nur, ein Objekt zu besitzen; es heißt, eine intime Beziehung zur Idee der Spur zu pflegen. Es bedeutet zu bekräftigen, dass Schönheit noch immer einen Wert hat – einen Wert, der sich nicht allein in Euro misst, sondern in Intensität. Invaders Mosaike werden im Übrigen auch in Jahrhunderten noch an den Straßen der großen Städte der Welt zu finden sein!
Zeitgenössische Kunst, lange als spekulatives Feld angesehen, das wenigen Eingeweihten vorbehalten war, wird so zu einem Weg zugleich sinnstiftender und sensibler Ausdrucksform und Investition. Die Sammlerinnen und Sammler von heute – junge Unternehmer, informierte Enthusiasten, Liebhaber urbaner Kultur oder ökologischer Themen – bilden eine neue Generation leidenschaftlicher Menschen: transparenter, vernetzter und zugleich ebenso anspruchsvoll. Sie suchen nicht nur Prestige, sondern Erfahrung. Sie wollen nicht nur investieren; sie wollen verstehen.
Eine Sammlung aufzubauen ist daher weit mehr als ein Kaufakt. Es ist eine Praxis der Erinnerung und der Wahrnehmung, ein Bekenntnis zur lebendigen Schöpfung. Ob man der futuristischen Poesie von Daniel Arsham folgt, der mechanischen Strenge von Antoine Dufilho, der urbanen Vibration von Futura 2000 oder der rohen Zärtlichkeit von Hom Nguyen – jedes Werk wird zu einem Fragment seiner selbst. In einer Zeit, in der alles zu verschwinden scheint, ist das Sammeln von Kunst vielleicht im Kern nichts anderes als eine Investition in die Beständigkeit der Emotion.
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