“Construir una colección e invertir en arte contemporáneo.”

Coleccionar arte significa entrar en un diálogo entre la sensibilidad y el valor, entre la intuición y la estrategia. En un mundo en el que todo se está desmaterializando y las imágenes circulan sin anclaje, la obra de arte conserva una forma de rareza casi subversiva. Ocupa espacio, resiste al tiempo y establece una relación a largo plazo. Construir una colección hoy ya no está reservado a una élite discreta. Internet, las ferias internacionales de arte y el auge de los artistas conectados han abierto las puertas a un universo que antes era opaco. Pero coleccionar no puede improvisarse: es un proceso de aprendizaje, una disciplina sensorial y emocional tanto como una aventura patrimonial.

Coleccionar es, ante todo, aprender a ver. Lejos de la mera compra de un objeto decorativo, es un acto tanto intelectual como emocional. El coleccionista se afirma a través de un gusto, una visión, a veces incluso una obsesión. Daniel Arsham, por ejemplo, ha encarnado esta alianza entre rigor conceptual y atractivo estético. Sus esculturas “erosionadas”, en las que objetos contemporáneos se cristalizan como fósiles del futuro, hablan a una generación atenta a la memoria del presente. Antoine Dufilho, por su parte, traduce su formación en ingeniería y arquitectura en esculturas minimalistas que deconstruyen la forma del automóvil en una sucesión de volúmenes rítmicos: un arte del movimiento y la estructura que fascina tanto a los amantes del arte como a los entusiastas de la mecánica. Estos artistas encarnan una tendencia contemporánea: la de un arte accesible, técnico e interdisciplinario, donde la belleza surge del diálogo entre campos.

Imagen: Sotheby's, Banksy, Love Is In The Bin, 2021. Obra de arte de Banksy vendida por más de 20 millones de euros.

Otros, como Invader, KAWS o Futura 2000, han construido su legitimidad fuera de los circuitos tradicionales. El primero transformó los videojuegos en un lenguaje urbano, esparciendo miles de mosaicos pixelados por todo el mundo como símbolos de una imaginación compartida. El segundo, KAWS, mezcló los mundos de los juguetes, la moda y el grafiti, convirtiendo su figura Companion en un emblema universal de la nostalgia pop. El tercero, Futura 2000 —pionero del grafiti abstracto neoyorquino— allanó el camino a toda una generación de artistas que ven el muro como un lienzo y el aerosol como un pincel. En cuanto a Hom Nguyen, encarna otra sensibilidad: la del retrato expresivo, el gesto encarnado y la humanidad vibrante. Cada uno de ellos, a su manera, ofrece a los coleccionistas una puerta de entrada al mundo del arte contemporáneo, en algún punto entre la cultura popular, la estética urbana y la emoción pictórica.

Uno de los primeros pasos recomendados es profundizar en el conocimiento del artista. Este esfuerzo va más allá de la simple apreciación del talento y se extiende a una comprensión más amplia de la vida y trayectoria del artista, su historia artística y sus “periodos” creativos. Cada artista produce obras mediocres, buenas y excepcionales, y hay que aprender a distinguirlas. Además, conocer al artista puede influir en la inversión en su obra en términos de rentabilidad a largo plazo. Si el artista ya tiene una reputación consolidada y sigue produciendo obras, existe una alta probabilidad de que su valor aumente con el tiempo. Asimismo, comprender al artista y su visión nos permite apreciar su obra más profundamente, más allá de su posible valor como inversión financiera.

Porsche 992 Carrera 4S de Antoine Dufilho

Pero antes de comprar, antes de hablar de presupuesto o inversión, hay que sentir — hay que mirar. Mucho. El futuro coleccionista aprende visitando museos, ferias y galerías; leyendo, discutiendo y comparando. Nada reemplaza la experiencia directa de la emoción que se siente al estar frente a una obra de arte. El arte se valora a través de la presencia, de la materialidad, de la relación física con la pieza. Por eso los grandes coleccionistas hablan a menudo de un “clic”, de un choque o de un flechazo abrumador: una emoción que no puede calcularse, una necesidad sentida de convivir con una obra cada día.

El primer paso para construir una colección es definir una dirección. Puede ser temática (el movimiento, la memoria, el cuerpo) o generacional (artistas emergentes, pop art, arte urbano, etc.). Esta coherencia no es una limitación, sino una estructura con sentido. Permite al coleccionista evitar la dispersión y construir una narrativa visual. Uno podría imaginar una colección centrada en la noción de movimiento —combinando las fotografías levitantes de Mathieu Forget, verdadero “bailarín de la imagen”, con las esculturas fragmentadas de Dufilho y los personajes flotantes de KAWS. O quizás una colección basada en signos y lenguaje, vinculando los mosaicos enigmáticos de Invader con las tipografías universales de Robert Indiana y las abstracciones caligráficas de Futura 2000.

El arte no es un activo cotizado: no ofrece dividendos ni liquidez inmediata. Sin embargo, proporciona una ventaja única —casi inexistente en otras inversiones—: el placer de convivir a diario con las obras que se adquieren. A largo plazo, puede resultar una inversión sólida. Según el informe anual de Art Market Research, las obras de arte contemporáneo registran una rentabilidad media del 6 al 8 % anual a lo largo de una década, siempre que se tomen decisiones acertadas y se siga de cerca el mercado del artista. Grandes éxitos como KAWS, Invader o Daniel Arsham han visto cómo sus valoraciones se disparaban en los últimos años, impulsadas por colaboraciones con marcas y museos, así como por su capacidad para crear un universo completo —o incluso una comunidad global, en el caso de Invader—. El mensaje es claro: coleccionar requiere un ritmo lento, una visión a largo plazo y paciencia.

Surfer Demon Boy, de Nathan Bowen

El valor de una obra de arte se basa en varios pilares: su procedencia (¿de dónde proviene?), su autenticidad (¿está certificada?), su historia (¿ha sido expuesta, publicada o coleccionada?), su estado de conservación y su rareza. Una pieza única, expuesta en una galería o perteneciente a una serie icónica, siempre tendrá más potencial que una obra más periférica. En el caso de artistas como Futura 2000, las obras creadas durante la escena del grafiti neoyorquino de los años 80 son mucho más buscadas que sus producciones recientes, ya que forman parte de la historia viva del grafiti. En el caso de Invader o KAWS, por ejemplo, las falsificaciones son frecuentes, lo que hace que la procedencia sea esencial.

Por supuesto, es importante fijar un presupuesto, pero no se necesitan grandes fortunas. Las figuras de KAWS, producidas generalmente en ediciones de 500 ejemplares, se venden entre 1.000 y 2.000 €. Ofrecen un punto de entrada en el universo del artista y se revalorizan entre un 5 y un 10 % al año. Otro ejemplo son las obras únicas del artista de street art Nathan Bowen, cuyos precios se sitúan entre 500 y 1.000 €, que también son buenas inversiones, ya que la notoriedad y popularidad del artista siguen creciendo. La galería Class Art Biarritz fue la primera en representar a Nathan Bowen y Mathieu Forget.

Un aspecto a menudo pasado por alto de la inversión en arte es la fiscalidad. En Francia, el marco es particularmente ventajoso. Las obras de arte no están sujetas al impuesto sobre el patrimonio inmobiliario (IFI) y quedan excluidas del cálculo del patrimonio imponible. En otras palabras, los coleccionistas pueden poseer obras sin aumentar su carga fiscal. En la reventa, existen dos regímenes posibles: un impuesto fijo del 6,5 % sobre el precio de venta, o el régimen de plusvalías reales, que aplica una reducción del 5 % por año de tenencia a partir del segundo año, lo que conduce a una exención total después de 22 años. Este mecanismo fomenta la tenencia a largo plazo, reforzando la lógica patrimonial del coleccionista. Las empresas también se benefician de un sistema de incentivos: pueden deducir el coste de adquisición de obras de artistas vivos de su beneficio imponible, siempre que las obras se expongan al público. Comprar una obra de Hom Nguyen para el vestíbulo de una empresa, una escultura de Dufilho o incluso un mosaico o una serigrafía de Invader para la sede corporativa se convierte así en un acto a la vez cultural, estético y fiscalmente virtuoso.

Mona Lisa (Rubikcubism) de Invader, Rubikcubism, vendida por 480.000 €.

El coleccionista no se limita a acumular; también apoya, se compromete y acompaña. Muchos eligen coleccionar artistas emergentes, que suelen ser más accesibles pero también más vulnerables económicamente. En este contexto, una compra se convierte en un acto de confianza, en una visión del futuro reconocimiento del artista. El ejemplo de Mathieu Forget es revelador: este artista performativo combina danza, fotografía y arte digital, ilustrando a la nueva generación de artistas híbridos a los que los coleccionistas siguen desde el principio, apostando tanto por la promesa estética como por la visión.

Con el tiempo, una colección se convierte en una narrativa. Puede desarrollarse en un apartamento, una oficina, un almacén o incluso en espacios públicos. Cada vez más, los coleccionistas prestan sus obras a museos, organizan exposiciones o crean sus propias fundaciones. Este deseo de compartir refuerza la legitimidad del coleccionista como actor cultural. A través de su colección, expresan una forma de habitar el mundo. Ya no es un acto egoísta, sino una participación en la conversación estética de su tiempo.

Ace de Mathieu Forget

En un mundo saturado de flujos digitales, donde las imágenes se suceden sin duración, una obra de arte impone una temporalidad distinta: la de la contemplación, la de la permanencia. Poseer una obra de Daniel Arsham, Invader o Hom Nguyen no es solo poseer un objeto; es cultivar una relación íntima con la idea de huella. Es afirmar que la belleza todavía tiene valor, y que ese valor no se mide solo en euros, sino en intensidad. Los mosaicos de Invader, además, seguirán adheridos a las calles de las principales ciudades del mundo dentro de siglos.

El arte contemporáneo, durante mucho tiempo visto como un ámbito especulativo reservado a unos pocos iniciados, se convierte así en una vía de expresión e inversión a la vez significativa y sensible. Los coleccionistas actuales —jóvenes empresarios, aficionados informados, amantes de la urbanidad o de la ecología— forman una nueva generación de apasionados: más transparentes, más conectados, pero igualmente exigentes. No buscan solo prestigio, sino experiencia. No quieren únicamente invertir; quieren comprender.

Construir una colección, por tanto, es mucho más que un acto de compra. Es una práctica de memoria y percepción, un compromiso con la creación viva. Ya sea siguiendo la poesía futurista de Daniel Arsham, el rigor mecánico de Antoine Dufilho, la vibración urbana de Futura 2000 o la ternura cruda de Hom Nguyen, cada obra se convierte en un fragmento de uno mismo. En una era en la que todo parece desvanecerse, coleccionar arte es quizá, en esencia, invertir en la permanencia de la emoción.